L’acte de création a longtemps été mis à distance et regardé comme un geste d’exception, réservé à quelques « élus ». Aujourd’hui, du développement de logiciels en réseau à la mobilisation tout azimut de l’imagination du consommateur, chacun est engagé à valoriser ses ressources créatives et à les mettre à disposition de ses réseaux.

Cette évolution se retrouve aussi en art où de nouvelles logiques s’affichent, le spectateur étant de plus en plus souvent appelé par l’artiste à devenir acteur de l’œuvre.
Autre dimension de cette évolution : l’œuvre sort du seul musée ou de la galerie pour être présentée dans des situations diverses : nouveaux espaces (comme le 104), hôtels, galeries commerciales, campus, … et lieu de travail.

Partie prenante de ces développements, nous restons vigilantes sur deux points.
L’artiste apporte un regard et un questionnement : il est un passeur vers des approches nouvelles, pas un animateur qui fait sensation.

L’exigence artistique doit rester une préoccupation, au-delà de la seule dimension participative.

Valérie Bobo & Pascale Ract

Pour la réunion annuelle avec les 80 conseillers de vente du réseau, le Président de Toiles de Mayenne avait ajouté deux objectifs à la présentation des bilans et perspectives de l’entreprise :
• amener ses collaborateurs à comprendre, de « l’intérieur », la nouvelle dynamique de conquête de marchés,
• les encourager à solliciter et questionner leur créativité, moteur de cette dynamique.
Ces deux objectifs ont été atteints en alternant, tout au long de la journée, création et réflexion.

 

Une journée rythmée avec 4 temps forts :

Créer
Chaque participant crée sur le thème de l’odyssée, à partir de matériaux imposés (inspirés de l’activité textile de l’entreprise), sa composition personnelle. Représentations figuratives ou plus abstraites, baroques ou plutôt minimalistes, chaque proposition donne une vision singulière du thème.
Cet atelier permet à chacun de vivre, dans un cadre structuré par des contraintes de ressources et de temps, une expérience de création qui sollicite son processus créatif individuel.

Mettre en scène Une fois terminées, les créations individuelles sont confiées à des artistes chargées, avec la sensibilité qui est la leur, de les assembler en une unique tenture qui dégage une vision commune et forte. Une carte se dessine, amenant le regard à progresser d’un univers terrien aux couleurs chaudes vers un univers marin plus froid et plus ouvert…

Décrypter, comprendre et progresser Dans le même temps, les collaborateurs, à partir de l’expérience vécue, se penchent sur la notion de processus créatif : ils en explorent les fondements et la façon dont ceux-ci se traduisent pour eux. Chacun identifie les moments-clés de son processus créatif lors de l’atelier et réfléchit, à l’aide de nos outils, à ce qui le stimule et ce qui le bloque. Les échanges au sein de petits groupes, permettent de mesurer à quel point chacun a un fonctionnement qui lui est propre.

Rideau ! En fin d’après-midi, tous les collaborateurs découvrent la tenture installée et … comprennent l’importance de cette phase d’assemblage : elle donne une cohérence à un ensemble qui met en valeur chaque contribution individuelle.

Cet établissement artistique, encore en travaux, devrait ouvrir ses portes à l’automne prochain, à Paris dans le 19e arrondissement. Il va, sur une superficie de 36000 m2, rassembler de multiples acteurs et accueillir des publics divers. Sa vocation ? Bousculer les frontières entre tous les arts et tous les publics ; être un lieu où les échanges entre artistes et visiteurs impulsent une expression artistique nouvelle.

Toutes les formes d’art y seront présentes (mode, design, cirque, danse, cinéma, arts plastiques, arts numériques…). Des artistes venus du monde entier y seront accueillis en résidence, le temps d’un projet ; des manifestations régulières permettront au public de découvrir ce travail. Mais, un cran plus loin dans la logique de décloisonnement et d’échanges, le lieu proposera également des espaces événementiels (possibilité d’y organiser des salons, des showrooms temporaires et des séminaires) et accueillera une pépinière d’entreprise avec pour vocation d’inventer de nouvelles dynamiques entre le champ artistique et le monde économique.

Avant l’ouverture, une première vague d’artistes « hors les murs » est associée au lieu.

Nous avons particulièrement aimé :

• Alain Bernardini, qui tente de proposer une autre représentation du monde du travail en introduisant le délirant et l’insolite dans le quotidien des lieux de production. Une sorte de défi aux clichés sur l’entreprise ou l’usine, et un jeu paradoxal avec les transgressions puisqu’il ne peut se faire sans l’aval des patrons.
• Delavillette est une structure de conception Å“uvrant dans le domaine de l’alimentation, à travers le design, la recherche et la pédagogie. Guilhem Chéron dirige cette activité en collaborant avec des professionnels de l’industrie, du secteur de la recherche, et des milieux éducatifs et culturels. Associée avec Alexandco (réseau de spécialistes indépendants (designer, scénographe, architecte d’intérieur, ingénieur…), il propose 5 recettes de promenades culinaires autour du 104 pour récupérer les ingrédients nécessaires à la préparation d’une recette inspirée du folklore local, esquisse d’un folklore plus global : Couscous manga ou gratin du 19e se construisent ainsi au fil d’un shopping promenade et se dégustent en écho à ces souvenirs. Des modes d’emploi interactifs de mise en table de ces recettes sont proposés, toujours en référence aux ressources disponibles et expériences dans le quartier.

Bref, de belles prises de risques en 2008, voici ce que nous vous souhaitons !

Valérie Bobo & Pascale Ract

Que retenir de son mode de fonctionnement ?

L’intelligence sensorielle au cœur du projet

Un prototypage rapide et détaché des contraintes techniques
Le travail de la maquette est géré de façon circulaire : plusieurs maquettes d’échelles différentes sont menées de front, permettant de « cerner » parallèlement des difficultés de nature très diverse. Impliquant la créativité de multiples collaborateurs, il est le maillon essentiel entre le rêve et la réalité. Cela permet de résoudre progressivement toutes les difficultés posées par le rêve quand il s’agit de le matérialiser.

Des outils au service de la créativité
Dans l’équipe de Frank Gehry, la créativité n’est pas le champ réservé au créateur. Pour l’accompagner dans son travail, des outils informatiques inédits ont été conçus par son équipe, permettant de concilier :

• le besoin des clients : se représenter facilement ce qui est proposé ;
• celui des collaborateurs (des plans d’exécutions précis à des stades donnés de l’avancement du projet) ;
• le besoin de liberté du créateur de pouvoir remettre en cause des pans entiers du projet jusqu’à un stade avancé.

Les émotions, énergie de la création
Frank Gehry sait tout au long du film nous faire partager le rapport intense qu’il entretient avec la peur (peur du vide, peur de ne pas tomber « juste ») et la colère (haine de l’obstacle, hargne, acharnement à convaincre…). L’entourage vit également au rythme de ces émotions qui sont, comme chez tous les créateurs, très personnelles. Le rôle de ce dernier devient essentiel : reconnaître, accompagner, soutenir, sans subir.

L’inspiration : bouger, au-delà de ses frontières, et se réapproprier
Frank Gehry se nourrit d’art, d’œuvres, d’échanges avec des artistes.
La peinture lui enseigne l’art de la composition. La fréquentation des artistes, à une époque où les architectes se vivaient en général plus comme des ingénieurs, lui a donné le goût de la liberté de rêver.

Comprendre les ressources singulières d’un créateur et ce dont il a besoin pour créer : un point crucial pour manager sa création en pensant l’organisation comme un support plutôt que comme un moule.

Le management de la création est un territoire singulier pour lequel les modèles sont rares.

Dans une entreprise de création, la créativité n’est pas que l’affaire des fonctions créatives. Pour ceux qui les encadrent, il s’agit d’accompagner un processus complexe qui, pour sa part, consiste à jouer avec, et parfois transgresser, le cadre.

Quelle forme donner à cette collaboration très particulière entre créatifs et managers ? Comment s’y répartissent les rôles ? les responsabilités ? les prises de risques ?
Comment comprendre ce qui est en jeu dans un processus créatif ?
Pour cela, rien de tel que de vivre cette expérience de création soi-même… pour être ensuite en mesure de regarder, de discerner, de comprendre et de décider de l’opportunité d’intervenir ou pas dans le processus créatif d’un collaborateur.

Aborder le sujet de la créativité en expérimentant un acte de création est notre passion et le cœur de notre méthodologie. Pour chaque individu, il s’agit de :

• comprendre son processus créatif à l’aide d’outils adaptés ;
• en distinguer les moteurs et les freins ;
• identifier et jouer avec ses leviers d’action.

Cette méthodologie est prolongée par un travail au niveau de l’organisation :

• analyser les processus créatifs d’une organisation en se penchant sur ceux de ses créateurs ;
• réfléchir, à partir de là, aux interactions, celles qui stimulent la création, celles qui peuvent la bloquer ;
• travailler avec les managers à la mise en place d’un référentiel qui structure toute l’organisation autour des valeurs portées par la création.

Un séminaire dans un lieu comme Bilbao a, en démarrage de projet, un effet catalyseur ; le sujet est abordé en 3 dimensions : par les sens, les émotions et la raison.

La dichotomie classique entre le corps et l’esprit serait-elle enfin dépassée ?
Si l’art l’a souvent illustré, les chercheurs en neurosciences semblent aujourd’hui le démontrer, mettant en évidence les liens multiples qui existent entre cognition, perception, émotions, mémoire.
La 52e biennale d’art contemporain -à Venise jusqu’au 21 novembre 2007- sur le thème « penser avec les sens, ressentir avec l’esprit, l’art aujourd’hui », est l’occasion de découvrir la façon dont les artistes contemporains se sont emparés du sujet.Face à la multiplication des lieux d’exposition, nous nous sommes focalisées sur les incontournables « Arsenal » et « Giardini » et avons aussi exploré quelques « événements collatéraux » -selon les termes du commissaire- répartis dans Venise.

Tonalité générale : A l’Arsenal, lieu magique, nous sommes saisies par les visions de cataclysme et de violence des artistes : avion qui chute, zones de conflits, soldats, tour qui s’écroulent, portes de prison… Les artistes ne cessent de nous renvoyer des images brutales d’un monde en proie à la pauvreté et la guerre. Le plus souvent, il s’agit de dénoncer et de faire réfléchir. L’expression de l’artiste, parfois totalement éloignée de l’expression sensible, peut nous laisser songeur : on en vient à se demander ce que ces oeuvres apportent de plus, ou de différent, qu’un article de presse ou un essai de philosophie ?
Cependant, quelques belles surprises émaillent ce parcours.

Les sens fertiles
El Anatsuy -artiste ghanéen qui vit au Niger- nous impressionne avec ses gigantesques tissus aux mailles (ou cellules) composées de cannettes et capsules métalliques repliées. Ancré à la fois dans une tradition artisanale et dans l’art contemporain africain du recyclage, ce travail nous entraîne dans un voyage sensoriel où la question du sens varie avec l’échelle : matériau industrialisé, répétition du geste, idée du cycle, décomposition et recomposition…

La création, ultime recours pour dépasser l’émotion ?
L’exposition de Sophie Calle – artiste qui représente la France - est captivante. L’artiste a reçu un mail de rupture se concluant par « prenez soin de vous ». Sophie Calle a alors demandé à 107 femmes de réagir à ce mail à travers le prisme de leur métier. L’exposition est constituée des 107 réponses de ces femmes –toutes photographiées par Sophie Calle-, réponses instinctives, rationnelles, humoristiques, empathiques, analytiques, elles permettent de dépasser l’émotion en explorant le sens de ce mail.

Formes, matières, textures affirmées avec force
Jan Fabre, artiste flamand, donne une réponse presque littérale à la question posée par Robert Storr : dessins d’hémisphères cérébraux, marbres en circonvolution, mise en scène de dialogues de l’artiste avec des spécialistes en neurologie…Au delà de ces travaux de circonstance, on retrouve le goût de l’artiste pour la pluridisciplinarité, à enchaîner divers media autour d’un thème.
Comme d’habitude, ce qui est présenté est très fort : installations minutieuses et performance technique se manifestent dans ses œuvres toujours formellement abouties et qui emmènent dans de multiples univers.

L’intelligence sensible de la main qui crée
Avec une grande économie de moyens, l’artiste colombien Oscar Munoz nous entraîne dans la virtuosité du mouvement d’une main qui dessine… Des visages peints sur un sol brûlant s’effacent aussi vite qu’une main les trace pour un mémorial. Ephémère du visage tracé, pérennité du mémorial, qualité et sensibilité du geste, autant d’éléments qui rendent la projection simultanée des 5 films particulièrement touchante.

Les sens au cœur de la raison
Le Pavillon mexicain est un exemple abouti de toute une vague numérique, interactive de plus en plus présente au sein de l’art contemporain. Rafael Lozano-Hemmer a réalisé des installations interactives et ludiques au croisement de l’architecture et de la performance. Il détourne les technologies de surveillance, s’approprie des technologies au service de la démultiplication sensorielle. Son installation de battements cardiaques –autant d’ampoules dont le tempo de clignotement se cale sur le rythme cardiaque de chaque visiteur présent- permet d’aller au cœur de l’émotion en laissant deviner la présence humaine au milieu de la technologie.